Arte callejero

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La pugna entre el arte callejero y el establisment se remonta a sus primeros días. Es dificil luchar contra le demagogia facil que defiende que se trata de destrucción del mobiliario urbano. Sin embargo el arte callejero (el street art que dirían los anglosajones) tiene una vitalidad que en otros ámbitos no conseguiría. En primer lugar porque se liga de un modo más primaria y visceral a la necesidad de transmitir, más allá del simple beneficio económico (lo que en modo alguno pretende ser una crítica a los arttistas asentados y a aquellos que pretenden vivir de su arte) y en segundo lugar porque tiene un elemento ajeno al academicismo imperante en otros lares.

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No hace mucho que escuchaba, no si cierta consternación, un debate en la radio en la que todos los contertulios asumían de uno u otro modo que el arte callejero supone una molestia y un menoscabo para el ámbiot urbano. EL único matiz era que un par de ellos se erigían en defensores por su valor artístico. Magro favor le hacemos a esta manifestación artística si nuestro punto de partida es englobarla dentro del vandalismo callejero y la marginalidad excluyente.

El arte urbano debe de ser concebido por sí solo como un medio de transmisión artística conceptual, independientemente de otras consideraciones de menor calado. Así pues tiene mucho más en común con el floclore o las representaciones artesanas culturales que con otros tipo de manifestaciones artísticas consideradas como mayores. Esto no le resta un ápice de valor, más bien al contrario, se erige en elemento diferenciador que condiciona su relación con el espectador final.

 

 

 

La apoteosis de la mediocridad

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corazon

 

Tras leer esta entrevista a Alberto Corazón  no puedo dejar de reflexionar sobre la apoteosis de la mediocridad. Para quien no conozca al susodicho, es uno de los mejores diseñadores españoles que haya habido nunca. Su queja, bien fundamentada, por cierto, viene a decir que en el  mundo del diseño se está abandonando la calidad -de hecho que se lleva abandonando hace tiempo- en favor de una productividad rápida y chabacana. En gran medida coincido con su exposición, salvo en un pequeño detalle. Parece idealizar la capacidad combativa de otros sectores creativos, como si en ellos se estuviera dando una auténtica batalla a un problema que afecta a muchos ámbitos.

En primer lugar el mismo problema que se tiene en el diseño se está dando en el resto de artes creativas. Se apuesta por soluciones fáciles de digerir, rápidas de hacer y de coste poco elevado. Sin duda se pueden señalar honrosas excepciones, pero en general es un hecho que la capacidad creativa es muy minusvalorada en este país. En medio de la crisis que estamos viviendo puede parecer que lo lógico es apostar por bienes plenamente productivos. Esta postura es un error, puesto que en una sociedad como la nuestra en la que la falta de elementos de necesidad básica es una cuestión de voluntad política, los elementos de diseño, arte, etc aportan un valor añadido que pueden hacernos destacar en un mercado cada día más competitivo.

La solución, como sucede en lo que respecta a otros muchos problemas que aquejan a nuestra sociedad, dista de ser sencilla y pasa no solo por una mayor involucración de los productores/artistas involucrados, sino también por una mayor implicación cultural y sobre todo empresarial. Es decir sin que las empresas apuesten por la creatividad -algo muy relacionado con la innovación- no se producirá un verdadero cambio en este sentido en nuestro país.

Julio Ruelas y Saturnino Herrán

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  • Contexto
Autorretrato con musa , 1903
Tinta / papel
12 x 16 cm

En el arte del modernismo, como se llamó en México a las corrientes nuevas, se manifestó en las primeras dos décadas del siglo XX. El contexto de Julio Ruelas es internacional, ya que su formación se dio principalmente en Alemania, donde tuvo más influencia que en su país. El ambiente social en el que se desarrolló Saturnino Herrán el de las consecuencias del Porfiriato. El arte en ese entonces se olvida de los motivos nacionales, que se retoman posteriormente con la revolución.

  • Julio Ruelas 

Nace en Zacatecas en 1870. Comienza a dibujar desde los 5 años, exagerando los rasgos de las personas, lo cual marcaría su estilo posteriormente. En 1892, se traslada a Alemania y realiza sus estudios en la Escuela de Arte de la Universidad de Karslruhe y regresa a México en 1895. Se relaciona con artistas y escritores de la Revista Moderna. Destaca por su originalidad e independencia artística, pero influye más en Europa que en su país. Muere de tuberculosis en 1907, a los 36 años.

La viñetas siguiente sirvió para ilustrar algunos poemas del libro Almas y cármenes de Jesús E. Valenzuela. Esta viñeta se encuentra llena de simbolismos y metáforas, estilo característico de Ruelas. Los amantes, íntimamente enlazados en un beso, están al lado izquierdo de la composición. El hombre de la izquierda es Pan (de “La flauta de Pan”), quien los contempla. Pan simboliza la virilidad y el impulso erótico y proporciona a la obra una naturaleza de fantasía.

El rapto                           , 1901.Tinta / papel. 6.5 x 16 cm

Entre 1896 y 1900, Ruelas realizó numerosos retratos masculinos con trajes arcaicos, estilo que asimiló durante sus años en Alemania. En México, su estilo caía en el idealismo y la fantasía bohemia. El cuadro se pintó cuando Campos tenía los 28 años y había alcanzado una madurez expresiva en su literatura.

Retrato de Rubén Campos                                             (1900)                                           Oleo / tela 36 x 28 cm

Este aguafuerte figura entre los nueve grabados que Ruelas realizó en París, en los últimos años de su vida, y que fueron publicados en la Revista moderna de México. En esta obra se observa un cementerio en un empinado declive. A lo alto está una mujer desnuda que sostiene una tela y es observada por dos perros. Esta imagen provoca una sensación de angustia por su inclinación y atmósfera sobrenatural.

Los fuegos fatuos                           , ca. 1907                           Grabado 24 x 17 cm
  • Saturnino Herrán

Nace en Aguascalientes en 1887. A los 14 años, muere su padre y se traslada a la Ciudad de México. En 1903 entra a San Carlos, dirigido por Antonio Rivas . Realizó sus estudios de dibujo y pintura con José Inés Tovilla y posteriormente con Julio Ruelas. Pintaba figuras populares mexicanas y en su obra se plasma el sentimiento religioso de nuestro pueblo. Muere  a los 31 años en 1918.

Autorretrato con calavera.
Dibujo al carbón sobre papel en óvalo de 0.27X0.25 m.     Colección del doctor José J. Herrán.
Autorretrato con calavera. Dibujo al carbón sobre papel en óvalo de 0.27X0.25 m. Colección del doctor José J. Herrán.
La cosecha                           , 1909                           Oleo / tela 72 x 100 cm

Esta pintura se trata de una de sus primeras obras, cuando estaba a punto de concluir su formación en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Es una composición que resalta por su estudio del color y abundancia de texturas. Representa la faena campesina que más adelante se repetiría en la obra del artista.

Nuestros dioses antiguos                           , 1916                           Oleo / tela 101 x 112 cm

Este óleo se trata de uno de esos trabajos de intención decorativa, concebidos como variaciones sobre motivos indigenistas, que ocuparon la atención del pintor en los últimos años de su vida. Se nota un trazo preciso y delicado, signo de una ejecución excepcional.

Mujer con calabaza                           , 1917                           Mixta / papel 57 x 39 cm

Éste es un ejemplo del trabajo de Herrán con el crayón y la acuarela. Se trata de un estudio de figura en un ambiente paisajista. Resaltan las características indígenas de la figura principal y se reconoce el estilo folclórico del pintor, así como su iconografía nacional. La esencia de la pintura es el mestizaje del mexicano, lo cual se denota en los rasgos faciales y la vestimenta. Se percibe una clara influencia de la obra de Gauguin.

  • Legado e influencia

Tanto Julio Ruelas como Saturnino Herrán murieron en el auge de su desarrollo artístico. A pesar de esto, ambos artistas forman parte importante del modernismo mexicano  e influyeron grandemente en pintores ahora muy reconocidos: Ruelas, en Europa y al ser maestro del mismo Herrán, y éste último al ser mentor de Roberto Montenegro y Diego Rivera. La temática de Herrán, asimismo, trasciende hasta el Muralismo Mexicano.

  • Bibliografía

Garrido, Felipe. Saturnino Herrán. México: Fondo editorial de la Plástica Mexicana, 1988. Crespo, Jorge J. Julio Ruelas en la vida y en el arte. México: Fondo de Cultura Económica, 1968. «Julio Ruelas , 1870-1907». Museo Blaisten. Abril 2010 . «Saturnino Herrán , 1887-1918 «. Museo Blaisten. Abril 2010 .

Arte Tequitqui

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El arte tequitqui es el arte que nació al momento de enseñarse la religión cristiana a los indígenas, al usarlos como mano de obra para la creación de obras cristianas o conventos. A estos indígenas se les permitía usar algunos de sus cánones y la influencia de su cultura para la creación de este.

Pintura del claustro de Oxtoticpac, Estado de México  
En el arte tequitqui se mantenían símbolos indígenas e íconos, que se mezclaban en el nuevo arte español. Un ejemplo marcado de esto son los ángeles, que muestran facciones más indigenizadas y asimismo los ángeles con alas de águila.
En el arte tequitqui se puede observar la mezcla del arte indígena con el arte español y cristiano, así como la mezcla de las dos culturas.

La nueva mano de obra indígena permitía la construcción de nuevos conventos, algunos de estos son: el Ex convento de San Francisco de Nuestra Señora de la Asunción que se encuentra en Tlaxcala y el convento de San Gabriel en Cholula, Puebla.
Las características de los templos creados por manos indígenas, suelen tener sólo una nave y a su costado suelen tener un monasterio. Dentro de estos lugares suelen observarse murales y jardines y fuentes.
Suelen ser de piedra angular, y se usaban como escuela, hospital o albergue.
Uno de estos conventos, el convento de San Gabriel en Cholula, Puebla, además de contar con un templo, cuenta con una capilla real, una abierta y un templo de la tercera orden.
Análisis Formal
Autor: Anónimo
Título de la obra: “El convento de San Gabriel”
Fecha en que se realizó: 1549
Lugar donde se ubica: Cholula, Puebla
Medio: Escultura en Piedra
Formato: Rectangular
Magnitud: Gran Magnitud
Los elementos de composición Su composición es simple, y usan el color amarillo, un color brillante característico de la arquitectura mexicana. Se podría decir que es simétrica.

La familia Echave y su legado

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En la Nueva España, donde los programas artísticos eran ambiciosos, y debido esto había una gran demanda de artistas.
Muchos españoles aprovecharon esta  circunstancia para viajar a Nueva España y  tener una oportunidad en este nuevo y creciente ambiente artístico.
Un ejemplo es la familia Echave, quienes tuvieron un papel decisivo en la pintura hispanoamericana del siglo XVII. La familia Echave consta de Baltasar Echave de Orio, Baltasar de Echave Ibía, Manuel de Echave Ibía y Baltasar de Echave Riojas. En este trabajo nos enfocaremos en los dos primeros, quienes se les llaman “El Viejo” y “el Joven” para distinguirlos.
  • Baltasar de Echave Orio

Baltasar de Echave Orio es un artista vasco nacido en 1548, y llega a México en 1573. Después de su llegada se casó con la hija del pintor Francisco de Gamboa e Ibía, quien se encontraba establecido en México, y quién se convirtió en el mentor de Echave Orio, en el cuál se puede ver reflejado parte del estilo de su maestro.

La obra de este pintor pertenece principalmente al siglo XVII, debido a esto muestra la estética del último Renacimiento. En su obra uno puede ver la gran influencia del manierismo florentino y como muestra una preferencia por las formas de la nueva estética.
Introdujo nuevos elementos y variadas cualidades en la ciencia de la composición, que incluía buen dibujo, notable colorido, perspectiva exacta y ostentosa riqueza y elegancia en los paños.
Estas son algunas de sus obras:

Baltasar de Echave Orio El Martirio de San Aproniano, 1612. Pintura al Oleo, Rectangular Vertical En la composición de esta obra uno puede ver movimiento, cuenta con un gran rango de colores y un valor tonal se podría decir algo oscuro, y líneas marcadas que añaden realismo en la arquitectura del fondo de la pintura.

Baltasar de Echave Orio La Porciúncula, 1609 Retablo de Tlatelolco Pintura al Oleo, Rectangular Vertical Con un rango de colores algo simple, colores que impactan al espectador y sombras muy marcadas,  mostrando un realismo manierista en la figura humana.

Baltasar de Echave Orio La Adoración de los Reyes al Divino infante Retablo de la iglesia de los jesuitas de México Pintura al Oleo, Rectangular Vertical Figuras suaves y colores realistas, dónde hay un valor tonal oscuro en ciertas partes, tal vez para recalcar la blancura de la piel de la virgen y el niño.

  • Baltasar de Echave Ibía
Baltasar de Echave Ibía, “El Joven”, nace en la Nueva España a finales del siglo XVI.
Realiza su formación artística en el taller paterno, por lo que se nota la influencia de su padre, y por lo que algunos piensan en su obra pictórica como una continuidad a la obra de Echave Orio, más Echave Ibía le da sus rasgos propios y personales.
En la obra de Baltasar de Echave Ibía se puede ver como aun manteniendo parte de las tendencias españolas, logra algo específicamente mexicano, aún así, su estilo sigue siendo manierista.  El tenía un gusto por el uso del color azul en sus pinturas, y por eso también es conocido como “el pintor de los Azules”.
Algunas de sus obras:

Baltasar de Echave Ibía Virgen del Apocalipsis. 1630. Oleo sobre tela. Colores suaves y un valor tonal luminoso, este se usa para atraer la atención a la composición centrada dónde se encuentra está virgen, quien muestra líneas suaves en su silueta un delicado realismo.

Baltasar de Echave Ibía  (1583-1650)  Noli me tangere , ca. 1625
Colección Andrés Blaisten  Oleo / lámina de cobre 44.5 x 59 cm

Un aspecto interesante de su obra es su labor como paisajista, en el que se resalta su extraordinario uso y sensibilidad de los azules, como se puede  observar en esta obra. Estos paisajes que fueron realizados en cobre, son a causa de la moda flamenca y la gran aceptación que tuvieron estas obras en España. Con un rango de colores fríos y un valor tonal oscuro, está figura con un balance creado por la cantidad de elementos y colores de cada lado, uno brillante y otro oscuro.

Baltasar de Echave Ibía  (1583-1650)  La Samaritana , ca. 1625
Colección Andrés Blaisten  Oleo / lámina de cobre 44.5 x 59 cm

Líneas suaves y un realismo en las expresiones. Usa un rango de colores fríos complementado por los azules del fondo y con un valor tonal oscuro. Una composición compleja por la gran cantidad de elementos, pero balanceada por la atracción de la vista a la figura de la samaritana, gracias a que está casi centrada, y el fondo claro y su tez blanca.

  • Legado
La obra de los Echave fue importante en el ámbito de la pintura mexicana de su tiempo. Crearon grandes obras para la Iglesia, entre estas el retablo de Santiago de Tlateloco de 1609.
En su pintura, se encuentra una conexión entre la tradición manierista y la nueva estética barroca.
Continuando con la tradición Echave, sigue Baltasar de Echave Rioja, hijo de Echave de Ibía que incursa en el arte mexicano.

Arte Mixeca y Zapoteca

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Para poder hablar de la cultura mixteca y entenderla, uno tiene que comprender y conocer el gran trabajo artístico y la cultura de los zapotecas, así que en este post hablaremos sobre estas dos importantes culturas del arte prehispánico.

  • Contexto Histórico y Geográfico

Estas dos grandes culturas se encontraban localizadas ambas en la zona de Oaxaca como los dos grupos más dominantes de esta zona.
Mientras que los zapotecos se hallaban situados en los valles centrales y el Istmo de Tehuantepec a partir de 1500 a.C, mientras que los mixtecos se situaron en los valles de la sierra y alrededor del 900 a.C. invadieron los valles centrales.

Zona Geográfica donde se encontraban los mixtecos y Zapotecos
  • Contexto Histórico de los Zapotecas

Los Zapotecas vivieron en los Valles centrales, las sierras norte y sur y en el Istmo de Tehuantepec. Asimismo, fundaron Monte Albán alrededor del año 500 a.C., y su influencia creció llegando a ciudades tan lejanas e importantes como Teotihuacán. Su fuerza política, económica y social duró hasta el año 850 d.C.

  • Contexto Histórico de los Mixtecos

Los mixtecos o “gente de las nubes” se encontraban en la parte poniente de Oaxaca. En la lengua mixteca antigua, esta región se denominó Ñuu Dzavui que actualmente se traduce como País del Dios de la Lluvia. Se establecieron en las regiones llamadas Mixteca Alta y Mixteca Baja (al norte de la anterior).

  • Características: Políticas y Sociales

Políticamente, los mixtecos fragmentaban su territorio en numerosos estados, esto resultaba en conflicto en muchas ocasiones. Una de formas en que las élites mantenían su poder era por medio de alianzas matrimoniales, por ejemplo entre mixtecos y zapotecos.
Socialmente, había jerarquías. De mayor a menor: El cacique la nobleza dzayya yya, la gente libre los terrazgueros y finalmente los sirvientes y esclavos sinoquachi dahasaha.

  • Religión Mixteca

Eran animistas y creían en un principio dual (Uno Venado-Serpiente de Jaguar y Uno Venado-Serpiente de Puma) que originó al mundo. Veneraban principalmente a Dzahui, el dios de la lluvia, quien comparte muchos atributos con Tláloc.

  Dzahui, el dios de la lluvia

En la Mixteca-Baja se venera a Huehuetéotl, dios del fuego. El sacrificio humano entre los mixtecos fue una práctica ritual de bastante antigüedad. Los sumos sacerdotes del culto a una divinidad eran denominados yahui águila-serpiente de fuego.

Huehuetéotl, dios del fuego
  • Religión Zapoteca

Eran politeístas. Su dios principal se llamaba Xipe y este se le conocía por tres nombres: Totec(dios mayor), Xipe(dios creador) y Tlatlauhaqui(dios astro o Sol). Otros de los dioses principales eran: Cocijo(dios del trueno),Pitao Cozobi (maíz tierno), Coqui Bezelao(dios de los muertos) y Quetzalcoatl(viento), entre otros.

Xipe
Pitao Cozobi
Cocijo
  • El Arte Mixteco-Zapoteco

El fuerte artístico de los zapotecas era la arquitectura, como lo son la majestuosa Monte Albán y Mitla. El sentido artístico de los mixtecos era preciosista, manifestado principalmente de forma pictórica y en las artes menores.

  • Los zapotecos

Construyeron Monte Albán, Mitla, tumbas y fortalezas. Sus conjuntos arquitectónicos se destacan por su sencillez y su tamaño. Decoraban sus tumbas con murales. Estaban fuertemente influidos por el arte teotihuacano. Usaban Mitla como un lugar sagrado para el entierro. Fue la ciudad de los muertos.

Monte Alban
  • Los mixtecos

A diferencia de otras culturas, no tenían un sentido dramático del arte plástico ni grandes esculturas.Su manifestación artística constaba principalmente de lapidarios de jade, orfebrería con antecedentes sudamericanos, códices y cerámica policromada. En la decoración de sus vasijas, cajetes y jarras se hallaban motivos utilizados en códices.

Mascara

Se utilizaba la cerámica policromada que constaba de barro delgado de color café rojizo con motivos decorativos provenientes de códices.

Ejemplo de vasija

Se producían vasijas redondas con cuello recto y 3 soportes, cajetes trípodes y jarras con asa.